El origen de la Semana Santa

Tiene su origen en la Baja Edad Media y en la crisis que tuvo lugar entre el XIV y el XV. Tenemos que tener en cuenta que en este momento sucede el Cisma de Occidente (en Europa había dos papas, uno en Roma y otro en Aviñón) y que el hambre, las guerras y la peste devastaron gran parte de Europa.

Una de las consecuencias de esta crisis es la creación de cofradías. En un primer momento se crean por Europa como una serie de asociaciones de cristianos devotos de un santo, de la Virgen o de Dios, que se encargaban de ayudar a los desfavorecidos por las crisis y enterrar a los fallecidos que no tenían nadie que los enterrara.

En este momento se creía que la peste había sido un castigo divino, por lo que la cristiandad se dedicará a intentar a hacer las paces con Dios por medio de procesiones de flagelantes y, más tarde, por lo que se denomina la Semana Santa.

Antes de San Francisco de Asís solo se veía a Cristo como una figura divina. Fue él el que reivindicó su «parte humana». A raíz de esto la Semana Santa, que habla más del Jesús humano que del divino, empieza a popularizarse. En un principio solo se celebraba del jueves al domingo. El jueves y el viernes se conmemora la muerte de Cristo en la cruz, el sábado se conmemora a Cristo en el Santo Sepulcro y el domingo su resurrección.

Conforme más avanza el tiempo, se crean más cofradías y el resto de días de la Semana Santa también adquieren un significado. Así, el Domingo de Ramos se centraría en la entrada de Jesús en Jerusalén, el Lunes Santo en la expulsión de los mercaderes del templo, el Martes en la traición de Judas, el Miércoles en Judas y las 30 monedas de plata, el Jueves en la última cena y en la oración en el huerto, el Viernes en la  flagelación y en la coronación, el Sábado en las escenas en el sepulcro y el Domingo en la Resurrección.

"Hamilton: An American Musical" o la historia que rapea

Póster de la producción original de Broadway que se estrenó en 2015

No es la primera vez que la historia ha llegado a los escenarios o ha inspirado una historia. Desde tiempos griegos y romanos la historia ha hablado en prosa, en verso, se ha cantado y se ha bailado. Pero nunca se había rapeado. Hasta ahora.

Lin-Manuel Miranda, la mente creadora detrás de este invento, pensó que la historia de Alexander Hamilton y de toda la creación de los Estados Unidos podía subirse a un escenario. Pensó que si lo hacía como un musical y que si, más que cantarse se rapeaba, este fragmento de historia llegaría a más gente y, sobre todo, a un público más joven. 

 Así ha sido, no solo han hecho famoso a uno de los padres fundadores de los EE. UU. que menos atención recibía, sino que ha hecho que cientos de miles de estudiantes de Primaria y Secundaria se interesen por parte de la historia de su país. 

Lin-Manuel como Hamilton durante "Yorktown",
 una de las canciones del musical

Además, el musical buscaba la representación de todos aquellos que se agrupan bajo el gentilicio de «estadounidense». Por ello, para representar que Estados Unidos fue construido por una gran mayoría de inmigrantes los actores del elenco son todos (menos el Rey Jorge III, por motivos evidentes) de color. Así, George Washington es negro, Alexander Hamilton latino y Eliza Schuyler-Hamilton, su mujer, tiene ascendencia china. En palabras de Miranda, es importante representar la diversidad de los Estados Unidos y más en un momento como por el que se está pasando. 

Me parece una manera muy curiosa de contar la historia y, sobre todo, de contársela y transmitírsela a un público. La mayoría de veces, es en el momento de acercar la historia a un público donde falla todo el proceso. Sería curioso saber qué momentos de la historia se pueden contar usando este método. 

Mastani, una princesa guerrera

Retrato idealizado de Mastani

La historia de Mastani está llena de misterio, sobre todo la de sus primeros años. Era la hija de un rey indio y una de sus esposas, que tenía origen persa y era musulmana, lo que hacía a su hija un puente entre las dos culturas. 

Lo que se sabe es que durante la invasión del reino del padre de Mastani,  Chhatrasal, el padre,  le pidió ayuda al peshwa Bajirao Ballal I. Bajirao se encontraba en plena campaña militar en Bundelkhand y acudió en su ayuda. Como recompensa, Chhatrasal le dio en matrimonio a su hija, Mastani, un tercio de su reino y 33 monedas de oro. 

Muchos historiadores se refieren a esta princesa como la amante del peshwa aunque era su esposa legal. Pero la personalidad de Mastani no se reduce a ser una princesa y nada más. Mastani era una experta jinete, además de una espadachina experimentada y muy buena con las lanzas. Además, a Mastani se le daba bien el canto y el baile. 

Sin embargo, Mastani no fue la única mujer en la vida de Bajirao ya que este se había casado, mucho antes de conocerla, con su primera mujer, Kashibai. Aunque solo fue Mastani la que lo acompañaba a las guerras. Se cuenta que el amor que sentía Bajirao por Mastani hizo que descuidara a su primera esposa, Kashibai, lo que enfureció a su madre, Radhabai. El hermano de Bajirao intentó desterrar a Mastani, y el primer hijo de Kashibai intentó obligarla a abandonar a Bajirao. Cuando vio que no lo conseguía esperó a que su padre estuviera en plena campaña militar para encerrarla en su casa.

Mastani bailando para el peshwa

Pero no solo la familia de Bajirao la odiaba, sino que los cronistas y los artistas la omitieron totalmente de sus crónicas y de sus obras. Además, el odio que le tenían obligó a Bajirao a construirle una residencia apartada de la principal, y más tarde, otra en otra ciudad. Puede que todo este odio se deba a que Mastani no se limitaba al papel de esposa fiel y en un segundo plano. Mastani ayudaba a Bajirao en las tareas reales de cada día, además de promover ella misma la construcción de algunas infraestructuras públicas, como un sistema de canalizaciones de agua.

Todas las historias acaban, la de Mastani también. En abril de 1740, mientras Bajirao estaba en campaña en sus tierras cerca de Khargon le sobrevinieron unas fiebres, posiblemente provocadas por un golpe de calor. Kashibai, su primera mujer, Chimajiappa, su hermano, y Balaji, el hijo de Bajirao y Kashibai fueron a atenderlo en Khargon. A Mastani no se  le permitió ir, ya que estaba encarcelada en su casa y, además, tampoco pudo asistir ni al funeral ni a su cremación. 

Ranveer Singh como el Peshwa Bajirao I y Deepika Padukone como
Mastani en la película de Bhansali

Poco después Mastani morirá, aunque no se sabe muy bien porqué. Los más románticos piensan que la causa fue un corazón roto, o por el shock por conocer su muerte. Los más realistas piensan que la asesinaron, que ella se suicidó o que cometió sati, una práctica mediante la cual la viuda se tira a la pira funeraria de su marido. Su tumba está en Pabal y se llama el samadhi o el mazaar de Mastani.  

Si queréis saber más sobre su historia, tenéis la novela de N. S. Inamdar, Raau, o la película de Sanjay Leela Bhansali, Bajirao Mastani. 

El 'making of' de Luis XIV, el Rey Sol

Luis con 5 años 

A Luis XIV se le conoce como el Rey Sol pero, ¿se le llamó así siempre? La respuesta es clara: no. Entonces, ¿cómo empezó todo?  Pues a raíz de la campaña de marketing más larga y famosa de la historia.

Luis XIV nace el 5 de septiembre de 1638. Cuando Luis llega al trono de Francia tras la muerte de su padre, Luis XIII, contaba con tan solo unos 5 años. El proceso empieza entonces. Se pasa de representar a Luis con ropas de niño a hacerlo con armaduras, tanto romanas como francesas, ropas de gala y atributos de rey. Mazarino, su primer ministro, tenía una idea clara: quería hacerlo el rey más importante y más famoso de la historia. 

Pero Mazarino no es el único que estuvo a cargo de la imagen del rey. Tras su muerte en 1661, cuando Luis XIV tenía unos 23 años, el que le toma el relevo es Colbert. Será Colbert, junto con el poeta Chapelain, los que hagan que la imagen de Luis se convierta en la que tenemos ahora. 

Luis vestido con su traje del "Ballet de la Nuit"
vestido como el Sol

Entre las cosas que les debemos está el que se representase a Luis XIV como si fuera un personaje de la mitología (tenía preferencia por Apolo, por ser el dios del Sol) o como el mismo Sol, y que su imagen llegara a todos los formatos. La imagen o la alegoría de Luis estaba en cuadros, en medallas, en periódicos, libros, relojes... Estaba en todas partes. 

Pero la imagen que se vendía de Luis no era una imagen arbitraria. Hasta el más mínimo detalle estaba estipulado en las academias, había listas con los adjetivos que se podían y no podían usar, qué poses, que ropa y en qué situaciones se representaba al rey. A todo este proceso de implantación de normativas artísticas se le conoce como la «burocratización del arte» y duró hasta la muerte del rey, con más o menos éxito. Tras la muerte de Colbert y de Chapelain otros ministros intentaron encargarse del «Departamento de Imagen Real», que era como se llamaba la institución, pero no tuvieron el mismo éxito. Eso, unido a que la imagen del rey ya no era la misma que en su juventud, debido a la mala salud del monarca, hizo que los últimos 25 años de su reinado fueran míseros. 

Luis XIV de Rigaud, el retrato más famoso de la vejez del Rey

En cuanto a las imágenes, os pido que os fijéis en los pies. Luis era un gran bailarín de ballet, algo que no era raro en un monarca francés. Lo extraño es que se entrenara 6 días a la semana durante 20 años. Fue el rey que hizo que el ballet pasara de ser «un baile» a ser EL baile de la corte. 

Como curiosidad, el rey mantiene su aprendizaje toda su vida. Se refleja en las dos imágenes, ya que tiene los pies en los que se llama "Cuarta posición" (o lo que llamaban cuarta durante el barroco, un poco diferente a la actual). Otra curiosidad: la razón por la que los bailarines de ballet andan "tan raro" es por el esgrima. El ballet bebió mucho al principio del esgrima, y las botas que se usaban para practicarlo eran muy rígidas en las rodillas y en los tobillos, por lo que los deportistas andaban un poco «como patos». Luis no quería andar de una manera tan poco galante, por lo que ideó el girar las rodillas hacia fuera y andar haciendo semicírculos, de manera que, aunque no pudiera doblar las rodillas o los tobillos, el movimiento quedaba elegante. Tenéis la explicación en vídeo (está en inglés) aquí.

Si queréis saber más sobre este tema podéis leer "La Fabricación de Luis XIV" de Peter Burke, en la que se explica cómo se crea toda esta imagen con más detalle. 

Rosario Weiss, aprendiz de Goya

Rosario Weiss

Rosario Weiss Zorrilla nació el 2 de octubre de 1814, en Madrid. Era hija de la ama de llaves del famoso pintor, Francisco de Goya. Los padres de Rosario estaban separados antes del nacimiento de esta. Algunos historiadores llegan incluso a afirmar que Goya y Leocadia ya mantenían una relación con anterioridad al nacimiento de Rosario sospechando que la niña podría ser incluso hija del pintor. De hecho, la madre de Rosario había sido acusada de adulterio por su marido, quien se quedó con la custodia de uno de los tres hijos que tuvieron.

Cuando Rosario tenía siete años empezó a dibujar, teniendo como modelo a Goya, llegando a copiar algunas de sus obras para su aprendizaje.

Cuando Goya se trasladó a vivir a Burdeos, Leocadia, madre de Rosario, y sus dos hijos viajaron con él. Allí, Goya medió para que Rosario pudiera continuar estudiando en la escuela del pintor Pierre Lacour donde perfeccionó su técnica con el dibujo y el grabado.

Con la muerte del pintor, Leocadia y sus hijos quedaron en una situación económica muy precaria al descubrir que Goya no había dejado nada para ellos.

Ya en Madrid, Rosario se ganó la vida como copista en el Museo del Prado y en la Academia de San Fernando, llegando a participar en algunas exposiciones.

En 1840 su labor fue reconocida por la Academia de San Fernando, que la nombró académica de mérito. El rey Fernando VII la llamó para que diera clases de dibujo a sus hijas.

Rosario falleció de manera sin previo aviso a causa de una infección intestinal, el 31 de julio de 1843.

A mediados del siglo XX, un estudioso del arte demostró que setenta y siete dibujos custodiados por la Hispanic Society de América atribuidos durante años al pintor Francisco de Goya, eran realmente de esta discípula.

Anna Atkins, la primera mujer fotógrafa.

Anna Atkins

El primer libro que incorporó fotografías para su ilustración fue "The pencil of nature", de William Henry Fox Talbot, publicado en 1844. Sin embargo, un año antes Anna Atkins había publicado con su dinero "British algae: cyanotype impressions", otro libro ilustrado con fotografías. No solo era un libro importante para la ciencia, pues también había sido obra de la primera fotógrafa de la historia. A pesar del hecho, el mérito no fue otorgado a Anna, sino a Talbot.

Anna Atkins adquirió este apellido por su esposo, siendo ella de apellido Children. Nació en 1799 en Reino Unido, muriendo su madre en su parto el 16 de marzo de 1799 y haciendo que el padre de Anna Children fuera un pilar importantísimo en su vida. Gracias a la buena situación que tenían podían vivir cómodamente, pero con la quiebra del banco de su abuelo tuvieron que cambiar de vida y empezar a trabajar.

Algunas de las fotografías publicadas en su libro.

El marido de Anna fue el impulsor del ferrocarril en Inglaterra mientras que ella se dedicaba a observar a las plantas, razón por la cual su marido hizo que se construyera un herbario para esta. La fotografías de Anna no fueron muy bien acogidas ya que se pensaba que las ilustraciones eran más fieles que una fotografía, pero ella igualmente recopiló todas sus fotografías y las hizo su primera obra científica, pagándose todo de su bolsillo.

De su vida privada apenas se conoce nada. Escribió más libros y falleció el 9 de junio de 1871, siendo su obra donada al Museo Británico.

Eva Gonzàlez, aprendiz de grandes maestros de la pintura

Eva Gonzàles

Eva Carola Jeanne Emmanuela Antoinette Gonzàlez nació en París el 19 de abril de 1849, en el seno de una familia burguesa. Recibió una buena educación y creció en un entorno en el que no faltaban intelectuales, con padre novelista y madre música.

En 1865 comenzaron sus clases de pintura impartidas por Charles Chaplin, siendo cuatro años más tarde Manet su nuevo profesor, además de posar para él. De Manet aprendió el estilo impresionista y llego a tener conflictos con otra de las alumnas de este, Berthe Morisot.

Con el tiempo se alejó del estilo de Manet y se influenció más por Degas, aunque ella desarrolló su propio estilo, llegando a exponer en 1876 El soldadito en el Salón de París.

Se casó con otro pintor, Henri Guérard. Fue reconocida por un tiempo muy corto y los protagonistas de sus lienzos fueron sus amigos y familiares.

A los treinta y cuatro años murió dando a luz a su hija, el 5 de mayo de 1883, por una embolia.

Hermana y marido de Eva Gonzàles retratados por esta última.

Jane Franklin, primera mujer en tener la medalla de oro de la Real Sociedad Geográfica

Jane Franklin

Jane Franklin, Griffin de apellido cuando era una mujer soltera, nació en 4 de diciembre de 1791 en Londres. Su madre falleció en 1795, quedando ella junto a sus tres hermanos al cuidado de una ama de llaves impuesta por su padre. Su infancia fue dura, viendo morir a su hermano, el cual tenía solo catorce años. A la edad de diez años, Jane y su hermana fueron enviadas a estudiar a un internado. A los diecisiete años, una infección de garganta la obligó a volver a casa, donde un tío materno se la llevó de allí para vivir en Oxford.

A los treinta y siete años, se casó con un explorador, John Franklin, viudo y con una hija, quien poco después sería nombrado caballero. Jane no tenía instinto maternal, aunque cuidaba de la hija de su marido.

Durante los años en los que John Franklin fue gobernador de la Tierra de Van Diemen (actual isla de Tasmania) , Jane no se conformó con el papel de "esposa de" organizando fiestas para las damas respetables y dedicándose a las tareas domésticas y femeninas que ella detestaba. Jane creó una sociedad científica, la Sociedad de Tasmania, con museo y revista científica incluidos, creó una gliptoteca, trabajó para mejorar las estructuras organizativas de los terratenientes de la colonia y asesoró a su marido en las decisiones del gobierno colonial.

De vuelta en Inglaterra empezaría un periodo difícil, John decidió unirse a una expedición para resolver la cuestión del camino que debía unir los océanos Atlántico y Pacífico por el norte, atravesando el océano Ártico. Doce años después, tras una búsqueda incansable, la expedición fue dada por desaparecida.

En los primeros años de ausencia, Jane Franklin disfrutó de su libertad viajando. Pero cuando la falta de noticias de su esposo empezaron a alargarse en el tiempo, la angustia se apoderó de ella. Intentó organizar expediciones de rescate por su cuenta, buscando ayuda privada.

Una vez aceptó que John no iba a regresar, decidió hacer algo por él: restablecería su memoria.  Jane reclamó para su marido el mérito de haber descubierto el Paso del Noroeste, concedido por la Real Sociedad Geográfica, que además otorgó a su viuda la medalla de oro de sus fundadores, convirtiéndose en la primera mujer en recibir dicho reconocimiento.

Volviendo ella de un viaje a América y Japón, encarga un busto de su marido y lucha porque fuera colocado en la Abadía de Westminster de Londres.

Esta incansable y maravillosa mujer falleció el 18 de julio de 1875.

El Matrimonio Arnolfini (1434) -Jan Van Eyck

Este cuadro ha originado una gran controversia entre los historiadores del arte, por la gran cantidad de elementos simbólicos que incluye y la dificultad de interpretación de algunos de ellos, hasta el punto de que los especialistas debaten si la obra contiene realmente la escena de la celebración de un matrimonio, siendo como una especie de acta del mismo, o una ceremonia de exorcismo de una pareja que trata de alejar de sí el mal de no haber tenido descendencia.

Algunos de los objetos que figuran en el cuadro, así como la propia ambientación de la escena, aluden a la riqueza del mercader Arnolfini, como pueden ser los ropajes, el mobiliario, la decoración del lugar donde se encuentran, etc,

Ventanas altas para aprovechar al máximo los pocos rayos de sol que entraban. Los culos de botella son típicos en las ventanas del norte de Europa porque aumentaban la intensidad de la luz y producía más calor.

Naranjas junto a la ventana, lo que, dada su procedencia del sur de Europa, puede considerarse un verdadero lujo en la Flandes del siglo XV. Entonces tiene que ser una ciudad comercial, que en este caso se trata de la ciudad de Brujas. Trabajo de herrería de la lámpara.

Las alfombras persas tienen muchas trocitos de colores. Ella lleva el manto forrado de piel de armiño. Se sabe que tienen dinero pero que no son nobles por los zancos, además de que, si no, tendrían una habitación más grande. Si fuera noble, no haría falta que estuvieran los zancos, ya que iría o en caballo, o en silla de manos. El espejo también nos indica que es rico, ya que es un espejo convexo. Éstos espejos se llaman ojos de brujas, y lo inventaron los franceses. Normalmente los espejos son planos, y cuando a la lámina de vidrio se le ponía el azogue, como se le ponía en caliente, la lámina de vidrio se partía, por lo que para sacar un espejo plano se tenía que partir muchos antes, por lo que eran muy caros. Los franceses hicieron que antes que se calentase se echara el azogue y quedaba de esa forma y eran más baratos. Igualmente es un elemento caro porque viene de Francia, pero no llega al nivel de un noble.

Al ser anterior al auge de las reformas protestantes, por eso encontramos escenas católicas en los salientes de los espejos, y por eso vemos dos rosarios al lado de éste, uno para él y otro para ella.

Ella no está embarazada, sino que viste un vestido con relleno para marcar la fertilidad que tiene. En el hombre, la fertilidad se señala con un recubrimiento de cuero que se dejaba al aire, cuanto más abultada, más fertilidad. En la lámpara hay una vela encendida, que simboliza la presencia de Dios. Por lo tanto, vemos que no es una petición de mano, sino que se trata de una boda y Van Eyck, con su firma, es el testigo de ésta. Él le hace jurar fidelidad, por eso el perro está más cercano a ella. Como ella tiene los hijos, es la que tiene que guardarla, y si le conociera aunque sea algún despiste con otro hombre, se le podía repudiar, ya que los hijos tenían que ser de él y al hijo es al que se le lega su herencia. 

Ella está descalza, por eso están sus zapatos al fondo. Está descalza porque en espacios sagrados hay que descalzarse. No existía tanta diferencia entre las tres grandes religiones monoteístas. De hecho vemos cómo el rosario es el mismo que utilizan los musulmanes actualmente.

Es la costumbre de la época. Aquí se muestra una boda, pero no se necesita ningún cura para casarse. Es simplemente un juramento privado que se hacían los esposos, o también público,  para lo cual necesitaban un testigo. Todo dependía de la riqueza que tuviera el hombre: si era pobre, se hacía un juramento privado, y si era un hombre rico se irían a un sitio público para anunciarlo para que todo el mundo viera que eran marido y mujer. Cuando se era rico, se necesitaban testigos, que están representados en el espejo. La norma era casarse en el salón, pero la cama estaba en el salón que se utilizaba como sofá. Esto era para calentar una sala y así no tener muchas para conservar más el calor. El dormitorio era simplemente la cama, cerraban las cortinas y se bajan. Cuando se despertaban y descorrían las cortinas, ésta pasaba a ser el salón.

Él da la mano izquierda porque ella es de una condición social distinta. A partir del casamiento serán iguales, pero como ella tiene menos dinero en ese momento, ella da la mano derecha pero él la recibe con la mano izquierda. El vestido de ella pesa entre 60kg y 70kg. A ella se le ha enseñado de siempre a andar con este tipo de trajes, y ella tiene que pertenecer a una familia donde se han podido permitir tener enseñantes para ellas. Además, los pliegues perfectos de ella simbolizan que tiene sirvientas para que se lo coloquen, por lo que tiene que ser rica. La firma del pintor, con todo el prestigio que tiene, equivaldría a un acta matrimonial, ya que se pone como testigo y le da una fehaciencia como si de un documento oficial se tratara.

Los hermanos Arnolfini son dos. El mayor se casa con una señora que tiene el mismo rango social. El nombre de esta va unida y ha pasado a lo largo de la historia. Sin embargo, este se casa con una inferior, y el nombre de esta señora no se conoce. La sociedad, a pesar de que él la eleva de posición económica y social, la sigue considerando inferior.

Al lado de la lámpara, en la terminación de la silla, vemos una representación de una mujer orando encima de un dragón, que se trata de Santa Margarita, patrona de los buenos partos. Por eso se pone, para que su protección recaiga sobre ella. Esto denota que el único interés del matrimonio era tener hijos.

Emily Roebling, ingeniera sin estudios

Emily Roebling

Emily Warren, de apellido Roebling tras su matrimonio, nació el 23 de septiembre de 1843, en el seno de una familia de clase media alta. La educación que recibió fue buena y sintió debilidad por su hermano Kemble Warren, general del ejército norteamericano. En una de las visitas de este, Emily conoció a Washington Roebling, su marido en menos de un año. El padre de su marido, John Augustus Roebling, era el ingeniero jefe encargado de construir un puente que debía unir Brooklyn con Manhattan.

John pidió a su hijo y nuera que viajaran a Europa para recopilar información sobre las nuevas técnicas ingenieras. A la vuelta, llegarían con un hijo e información sobre las técnicas, pero para entonces, John había muerto.

Washington confió en su mujer para llevar a cabo este proyecto, siendo esta su voz. Así Emily sería la primer mujer ingeniera, llegando a pensar los obreros que ella era la directora del proyecto.

Durante catorce años, Emily visitó diariamente las obras del puente ejecutando las órdenes que su marido enfermo le daba desde el lecho.

En 1883 se inauguró el puente, en cuyo discurso inaugural se alabó la labor de Emily. Subida en un carruaje, la primera persona que lo cruzaba era ella.

Finalizado este proyecto, los Roeblign se mudaron a Nueva Jersey. A los 56 años, esta mujer obtuvo el título de abogada por la Universidad de Nueva York. El 28 de febrero de 1903 falleció, siendo su labor recordada con una placa en el puente de Brooklyn.

Puente de Brooklyn en 1898