El Trono Ludovisi (Trabajo del Trono Ludovisi, parte I)

Con esta entrada vamos a dar comienzo a una nueva sección en el blog, en la que iremos publicando artículos y trabajos más serios. ¡Esperamos que os gusten! Y, sin más dilación, aquí tenéis este trabajo sobre el Trono Ludovisi.

Contexto histórico-arqueológico de la pieza:

Esta pieza fue descubierta en las inmediaciones de la Villa Ludovisi, en Roma, y es por ello que pasa a formar parte de la colección Ludovisi-Becompagni. En esta época no tenían claro el valor histórico-artístico y arqueológico de la pieza, llegándose a usar como botellero. En 1887 Visconti publicó la primera noticia sobre esta obra. A partir de ese momento la información se fue ampliando, e incluso, contradiciendo.

En torno a la villa en donde se encontró el trono, en los jardines de Salustio, encontramos además de esta pieza: un templo a Venus, el obelisco Saluttiano, que ahora se encuentra en la Plaza de España;el Jarrón Borghese, una crátera de grandes dimensiones que se utilizaría como adorno en el jardín; el Gálata Moribundo y el Gálata Ludovisi, ambas piezas pertenecientes a la famosa escuela de Pérgamo, encuadradas en el Helenismo griego; y una pieza que tiene cierta singularidad junto al Trono Ludovisi, el Trono de Boston.

Estos jardines fueron adquiridos por Tiberio, y, durante muchos siglos, fueron usados como servicio público. Según Procopio, historiador bizantino del s VI d.C, continuó siendo un descanso imperial hasta que fue saqueado por los godos en el 410 d.C.

Junto a esta amalgama de obras, lo que más sorprende es lo que unen ambos tronos, ya que los dos se realizaron mediante un solo bloque de mármol, horadado para darle la forma de la letra griega π y ambos están tallados en unos de los mármoles con más difusión por todo el Mediterráneo, el mármol de Tasos. Ambos están en un bajorrelieve, cuya iconografía es muy discutida, y ambos están modificados para adaptarlos a nuevos usos.

Casi todos los expertos coinciden en datar la pieza del Trono Ludovisi, durante la 1ªm .s. V a.C., fechándolo en el denominado estilo Severo, un estilo de transición entre el estilo Arcaico y el Clásico griego, al igual que el Trono de Boston; aunque durante muchas décadas se pensara que este último era una copia romana del posterior, o incluso una falsificación.

Tenemos que saber que, aunque fuera realizado en mármol de Tasos, no se puede saber de qué taller griego pudo salir. Esta obra magnifica, hallada fuera de contexto, ha dado lugar a las más variadas hipótesis. Una idea muy atractiva es que pudo ser tallada en “Locris Epicefiria”, pues comparte el estilo y la iconografía con algunas estelas que se encontrarían modeladas en esa región.

Puesto que no se puede entender el estudio del Trono Ludovisi con el Trono de Boston, la interpretación de la función que tenían ambas piezas es muy controvertida. Hoy en día, nadie da por válida la interpretación que dice que ambas piezas podrían tener la función de tronos para una estatua colosal de una divinidad.

 Las teorías que gozan de más aceptación son, por una parte, el que las pieza pudieran haber sido brocales o parapetos de un orificio en el suelo del templo de Afrodita en Locri, en el sur de Italia, por las influencias y por la manera de representación; o de que pudieran ser el remate de los extremos de un altar. También se pensó que fueran unos paneles como acróteras, o los parapetos de un caro ceremonial para esculturas de divinidades.

Aunque se pensaba que fueran originarias del sur de Italia, parece más posible que ambas obras fuesen realizadas para el templo de Venus Ericina, en Sicilia. Allí se levantó uno de los santuarios dedicados a esta diosa, Afrodita, unos de los templos más famosos de la Antigüedad, aunque no quedan prácticamente restos del mismo. En cualquier caso, el templo estaba ligado al culto oriental de la diosa de la fertilidad que, si bien en Erice era adorada como Afrodita, no dejaba de ser la fenicia Astarté o la babilonia Ishtar; de hecho, el propio templo tendría influencias orientales. En sus dependencias se daban dos de las culturas arraigadas del Este: la sagrada prostitución y la anagogía.

En cuanto a la iconografía del Trono Ludovisi, se han especulado varias hipótesis: una de ellas es la idea de que representan a Perséfone saliendo de las tierras del Hades, y siendo recogida por las Horas; o, la que a mi pequeño entendimiento, pienso que habla sobre el nacimiento de Afrodita, o el baño que esta y todos los dioses reciben.

El Trono Ludovisi

Sea como fuere, lo que mayor importancia tiene es el valor iconográfico que presentan estos relieves marmóreos: una hetera flautista desnuda y una mujer oferente en los laterales del trono flanqueando la imagen principal, el nacimiento de Afrodita, recogida por dos Horas, que la alzaban desde el mar a la playa.

Iconografía de las piezas del trono Ludovisi

Podemos ver que dicha obra se puede diferenciar en tres escenas, a saber:

Comenzaremos a hablar sobre la pieza de la izquierda, donde encontramos a una fémina que toca la flauta doble completamente desnuda y recostada sobre una pieza de tela. Por el modo de trabajar de la escena, podemos notar cómo de verdad el autor quiere romper con el arcaísmo de la ley de frontalidad. Esto se puede apreciar en el entrecruzado de las piernas y el movimiento de los dedos. Aunque el artista, anónimo, quiere eliminar ese hándicap, no puede dotar a la pieza con el realismo típico del Clasicismo. Esta escena quiere transmitir paz y sosiego, una tranquilidad que es originada tras el periodo de postguerra que encontramos.

La otra pieza que flanquea la escena principal es un relieve en el cual se la ve completamente ataviada, con la cabeza tapada y con una especie de platito típico de las ofrendas a la diosa Hera, hermana de Zeus y esposa de este, la cual tenía a su cargo los ritos del hogar.

Hasta aquí llega la primera parte del trabajo, dedicada al Trono Ludovisi. Dentro de poco publicaremos la segunda parte, más enfocada hacia la diosa Afrodita, también conocida como Venus y cómo ha ido evolucionando su representación.

Bibliografía

BLANCO FREIJEIRO.A 3ª edición renovada. (2011) ; Arte griego. Estudio preliminar de Pilar León. Madrid. Textos Universitarios 48. Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

ELVIRA BARBA. M.A.; Manual de Arte Griego: Obras y artistas de la antigua Grecia. Madrid. 2012. Ed. Silex.

ELVIRA BARBA. M.A.; Arte y mito: Manual de iconografía clásica. Madrid. 2008. Ed. Silex.

Pentesilea, Reina de las Amazonas

Este es el tercer personaje que traemos a esta sección, y, en este caso, se trata de Pentesilea, una reina amazona que luchó en la Guerra de Troya. Explicaremos un poco quienes eran las amazonas para ubicar un poco más a nuestro personaje. 

Fragmento de pintura griega que hace referencia a las amazonas.

Las amazonas son un pueblo legendario de la mitología clásica, conformado únicamente por mujeres que descienden de Ares, dios de la guerra, y la ninfa Harmonia. Su ubicación geográfica no es muy clara, a veces se las ubica en el Cáucaso, otras en Tracia y otras en las costas de Asia Menor.

Era una sociedad completamente matriarcal y solo admitían hombres como esclavos o en determinadas ocasiones para perpetuar la raza, quedándose solo con los bebés de sexo femenino. Desde pequeñas, las jóvenes amazonas se educaban en el arte de la guerra y, cuando se desarrollaban sus pechos a causa de la pubertad, se les cortaba uno de ellos para facilitar el manejo de la lanza y el arco, de ahí viene el nombre parlante de amazona (ᾰ-μαζὡν, "las que no tienen seno").

Hay multitud de leyendas acerca de estas amazonas y de sus combates con distintos héroes griegos, pero sin duda, el más conocido es el combate que enfrenta a la reina Pentesilea con Aquiles. 

Detalle de un vaso griego griego que representa
la muerte de Pentesilea a manos de Aquiles.

Pentesilea no solo tenía a Ares como ancestro, sino que la engendró la unión entre el dios y su madre, también amazona, conocida como Otrere.

Pentesilea es hermana de Hipólita,(amazona que luchó contra Heracles) y se le conocen un hijo llamado Caístro y un nieto, Éfeso. A la muerte de Héctor a manos de Aquiles, Pentesilea acudió a la ciudad de Ilión en auxilio de Príamo y, junto a su contingente de amazonas, se convirtió en una gran línea de defensa para la ciudad de las altas murallas.

Se distinguió en numerosas hazañas en la etapa final de la guerra, pero sucumbió a manos de Aquiles en combate singular. El mito cuenta que, tras una feroz batalla en la que Aquiles le dijo a Pentesilea "luchas mejor que mil hombres", este le arrojó su lanza y atravesó su seno izquierdo. Tras esto, Pentesilea cayó lentamente al suelo, exhalando su último aliento de vida. En ese momento Aquiles se percató del precioso rostro que tenía la bella reina amazona, y, en el momento en el que esta murió, él quedó enamorado de ella, cumpliéndose así el ciclo trágico griego. 

Este artículo ha sido elaborado a partir de las descripciones de Pentesilea que proporcionan:

• Diccionario de Mitología Griega y Romana (1981) Grimal, Pierre. Edición de 2010, Paidós. 

Rendición de Granada, de Francisco Pradilla

Hoy, 2 de enero de 2017, se cumplen 525 años de la Rendición de Granada por parte de Boabdil, el último rey nazarí de la Península, ante los Reyes Católicos, hecho que marcaría el devenir de los tiempos en la Europa del siglo XV.

Tan trascendente fue lo que allí ocurrió que siglos más tarde, en 1882, el glorioso momento se ve plasmado en el lienzo de Franscisco Pradilla, por encargo del Senado español. Por su minuciosidad arqueológica en los detalles, como vemos en el cetro y la corona de la Reina Isabel, conservada hoy en la Capilla Real de Granada, así como en la espada de Boabdil, en el Museo del Ejército de Madrid, por la documentación exhaustiva que llevó a cabo el autor para conformar la escena, colocando a cada personaje que aparecía en las capitulaciones en el escenario exacto bajo la vigilancia majestuosa de la Alhambra, y, por supuesto, por la perfección técnica, hacen de ella una de las obras capitales de la pintura española de todos los tiempos.

Sin embargo, el sentido realista no excluía, para Pradilla, la poesía y la grandeza con que se nos presenta envuelta la Historia.

Rendición de Granada (1882) -Francisco Pradilla

Taller Navideño en El Viso del Alcor - 30/12/16

No hay mejor manera de despedir el año que con una buena cara.

Cristina y Kike con una de las "sacerdotisas" del taller

Por eso, a tan solo un día del nuevo año, Arqueohespérides hizo una serie de talleres en el Viso del Alcor. Por ser las fechas que eran, decimos enfocarlo, sin salirnos de lo nuestro que, en general, es la Historia, en la Navidad. Así pues, durante la mañana y la tarde del 30 de diciembre impartimos una serie de talleres enfocados a esto.

El primero consistía en una explicación (apta para no desilusionar a unos oídos tan jóvenes) sobre el origen de la Navidad, sus personajes y costumbres. A pesar de que la mayoría creen que la Navidad viene del Cristianismo, muchas culturas anteriores a esta ya celebraban el solsticio de invierno. Por ejemplo, griegos y romanos celebraban la Saturnalia, en la que le hacían ofrendas al dios Saturno, y, además, la celebración del Sol Invictus, que coincidía con el 24 de diciembre. Además, otras culturas, como las que tienen origen germánico, celebraban esta fiesta decorando árboles mientras Odín sobrevolaba sus pueblos sobre su caballo de ocho patas. La cristianización de la fecha se la debemos a diferentes religiosos que, por motivos simbólicos, decidieron colocar el nacimiento de Jesucristo en el día más corto del año. Tras explicar el origen de la fecha, explicamos el origen de sus diferentes personajes: los Reyes Magos, la Virgen María, el niño Jesús y San José son, sin duda bíblicos, pero… ¿y Santa Claus? El origen de este personaje está en San Nicolás, un monje que se coló por una ventana para dejarle dinero a un hombre pobre que se negaba a aceptar la caridad. Tras esto, tanto la leyenda como el personaje fueron extendiéndose. A lo largo de los siglos diferentes personajes se han ido acoplando a la leyenda y dándole forma hasta llegar al Papa Noel de nuestros días.

Nuestra plegaria al dios Saturno durante la Saturnalia

   Y no toda la explicación se basaba en personajes, si no que también pasamos por los adornos y los dulces. Por ejemplo, la tradición de decorar el árbol no salió de Alemania hasta el siglo XIX, cuando el príncipe Alberto (de origen germano) y la Reina Victoria decoraron un árbol en su salón en su primera Navidad como familia. Los adornos en un principio eran comestibles y con el paso de los años comenzaron a ser de cristal. Las luces, que las puso de moda Lutero, primero fueron velas. Con la llegada de la electricidad se transformaron en las lucecillas brillantes que conocemos todos. Y llegamos a los dulces, la mejor parte. El clásico Roscón de Reyes, es clásico en mayúsculas y con negrita: ¡viene de los romanos! El postre original no tenía sorpresa ni tampoco haba: tenía higos. Entre ellos y nosotros ha pasado mucho tiempo y el dulce ha ido transformándose hasta el postre de hoy en día. Los bastoncillos de caramelo, que vemos siempre en las películas, tienen un origen casi sacro: el director del coro de una iglesia del siglo XVI temía que los niños que fueran a la misa del gallo se pasaran la velada durmiendo. Por eso, le pidió a un repostero que creara unos caramelos con forma de bastón (como los que llevaron los pastores que fueron a visitar al niño) y blancos, para simbolizar la pureza del niño Jesús. Los polvorones y mazapanes son de origen incierto, aunque todo apunta a que son un préstamo de los musulmanes que estuvieron en la Península.

Nuestro Arco del Triunfo, decorado para la ocasión con diferentes personajes

Tras esta explicación, que resumimos para los niños, vino la parte divertida. En el primer taller, podían crear un belén de recortables, coloreando a los diferentes personajes y edificios y montándolos. En el segundo, el de dactilopintura, podían crear diferentes formas usando solo las manos y un poco de pintura. Entre las obras de estos artistazos destacan los árboles de Navidad y los renos, que sin duda fueron las estrellas del taller. Por último, los más atrevidos podían hacer diferentes christmas usando tanto las figurillas que habíamos preparado (muñequitos de nieve, renos, duendecillos, arbolitos de Navidad), diferentes recortables o, si se sentían con la creatividad suficiente, combinarlo  todo sin miedo y decorarla, además, con diferentes mensajes.

Por la tarde hicimos los mismos talleres, pero, cuando comenzó a caer un poco el sol, supimos que era el momento. Pedimos un megáfono y empezamos a anunciar el Ritual de la Saturnalia. Niños y niñas se acercaron corriendo y escucharon a Cristina y Kike, que fueron los encargados de explicarles en qué consistía. Con la plegaría que leyeron entre todos y las ofrendas que le entregamos (diferentes frutos secos, como dicta la tradición romana), ¡seguro que Saturno estará contento hasta el año que viene!

Y con esto, nosotros despedimos el año. Ahora le damos la bienvenida al 2017 con muchas ganas y ánimos de hacer muchos más talleres. ¡Nos vemos pronto! ¡Feliz año!

De izquierda a derecha, Luna, Dani, Kike y Cristina

Gilgamesh, Quinto Rey de Uruk

        La obra épica más longeva creada por la especie humana tiene como protagonista al héroe que traemos hoy al blog: el poderoso Gilgamesh.

        Gilgamesh aparece en la Lista Real Sumeria como contemporáneo de Mebaragesi, el primer rey de la dinastía de Kish. Esta lista asegura que nuestro personaje reinó durante 125 años la ciudad de Uruk, aunque la realidad es que la fama de Gilgamesh se debe, en su totalidad, a la obra épica mencionada anteriormente. 

         La Epopeya de Gilgamesh narra las peripecias de este rey que, en un principio, se nos muestra como un tirano y déspota que, dejándose llevar por la lujuria, acosa y abusa de las mujeres de la ciudad de Uruk. Los súbditos de dicha ciudad suplican a los dioses y estos, atendiendo las súplicas, conciben a Enkidou, un hombre salvaje que atacaría la ciudad para enfrentarse a Gilgamesh.

Gilgamesh a la derecha representando a la civilación
y Enkidou a la izquierda representando la barbarie

        Curiosamente, cuando entablan combate, ambos se hacen amigos para siempre y juntos emprenden un viaje en búsqueda de aventuras, descuidando Gilgamesh así, el gobierno de la ciudad de Uruk.

       Tras numerosas aventuras de los dos compañeros, Inanna, diosa del amor carnal y la guerra, queda prendada de Gilgamesh, pero éste rechaza su amor. Los dioses, como castigo por la ofensa a la diosa, hacen que Enkidou muera. Este hecho sobrecoge a Gilgamesh, y le hace plantearse la posibilidad de conseguir la inmortalidad para no correr el mismo destino que su amigo y compañero.

     Es así como comienza la segunda parte de esta obra, en la que Gilgamesh se lanza a la búsqueda de la inmortalidad. Para conseguirla, tiene que viajar hasta los confines del mundo, donde se encuentra Utnapishtim y su mujer, los únicos humanos que sobrevivieron al gran diluvio que narra la mitología mesopotámica.

     Los dioses, tiempo atrás, le concedieron la inmortalidad a este matrimonio, pero no conocen la manera de otorgarle este don a Gilgamesh. Aun así, Utnapishtim confía a Gilgamesh la ubicación de una planta que otorgaba juventud a todo aquel que la consumía y Gilgamesh emprende, así, otro viaje para conseguir esa planta. Cuando está a punto de conseguir dicha planta, una serpiente se la roba y, después de tantas peripecias, Gilgamesh entiende que la inmortalidad es un don exclusivo de los dioses. Afligido por no poder conseguir la inmortalidad, pone rumbo de vuelta a su ciudad, Uruk, en la cual cunde la anarquía a causa de los años que Gilgamesh había estado de viaje. Así es como concluye la obra.

Gilgamesh al final de su aventura, en el momento en que
la serpiente le roba la planta que otorga juventud

   Desde el principio de la obra, nos caracterizan a Gilgamesh como un hombre rudo, fuerte, barbudo y tosco, pero a la vez sabio y paciente.

   La lucha que se produce al principio entre él y Enkidou se ha interpretado tanto como la lucha entre la civilización y el mundo salvaje, así como la razón por la que las ciudades necesitaban de un gobernante, ya que, si no disponen de uno, cunde la anarquía.

         Muchos investigadores también han visto en esta obra el precedente del personaje de Heracles en la cultura griega, o Hércules en la latina. Muchas similitudes en la caracterización del personaje, la misma búsqueda de la inmortalidad y la cruel balanza del destino que, una vez se inclina hacia un lado, no se puede cambiar. 

Este artículo ha sido elaborado a partir de la lectura de:

• Epopeya de Gilgamesh. (2014) Alianza Editorial, versión de Stephen Mitchell. 

Taller Cultural en el Día de la Infancia

Ayer, 19 de noviembre de 2016, varios miembros de nuestra asociación, en colaboración con la Asociación Juvenil Carmona en Viñetas y la Delegación de Juventud del Ayuntamiento de Carmona, realizaron un taller para acercar la cultura a los más pequeños.

La Asociación Arqueohespérides puso en marcha tres talleres, cada uno intentaba ser didáctico, a la vez que divertido, de una manera distinta.

Taller de la cueva prehistórica

Un taller consistió en recrear una cueva de época prehistórica, con todo lo que ello conlleva: pinturas rupestres, explicaciones acerca del simbolismo y modos de vida, y, por supuesto, murales para que los niños realizasen sus propias pinturas. ¡Algunas parecían sacadas del mismo Paleolítico!

La cueva fue realizada recubriendo las paredes de la habitación con papel marrón claro, creando arrugas y grietas que se asemejaran a una cueva real. Luego, sobre este papel, se dibujaron símbolos, animales e incluso escenas de caza. De la realización de esta actividad se encargaron nuestros socios Pedro Daniel Martínez del Viejo y Cristina Barragán García. 

Otro taller consistió en la realización, por parte de los niños, de manualidades para crear su propia panoplia griega. Disponían de plantillas de cartulinas de cascos, espadas, y escudos griegos. Además, le enseñamos a los niños y niñas qué dibujos pintaban los griegos en sus escudos, ya que no solo se utilizaba como arma defensiva, sino también como arma psicológica contra el rival.

Taller de panoplia griega

También pusimos a su disposición témperas, rotuladores, lápices de colores y diversos rollos de papel para adornar sus armas y armaduras. Los pequeños dejaron volar su imaginación, y bueno... la imaginación voló de ellos. ¡Acabamos teniendo más escudos de Capitán América que de soldados griegos! De esta actividad se encargaron nuestros socios Ana Marín Toscano, Jesús Risueño Tebas y José Enrique Vera Rodríguez.

Taller de Action Painting

El tercer taller consistió en la realización de una actividad en la que, los niños, a través de un ejercicio de pintura libre sobre papel colocado en el suelo, aprendieron la técnica del Action Painting.

Esta técnica pictórica fue inventada por Jackson Pollock a mediados del siglo XX y dio lugar a su propio estilo, llamado Expresionismo Abstracto, por su total libertad y crudeza. Lo más importante de su obra no era el resultado final de la misma, sino el momento creativo, de ahí que se llame "Pintura de acción", consistiendo ello en salpicar la pintura sobre el lienzo (Dripping) sin control alguno, siendo el resultado producto de los impulsos humanos.


Fue ello lo que practicaron los niños que participaron en él, donde, animados por música, sin darse cuenta aprendieron el movimiento artístico más innovador del siglo XX. Esta actividad fue llevada a cabo por nuestros socios Beatriz Martínez Trigueros y Juan Antonio Delgado Ceballos.

Todos los miembros de Arqueohespérides lo pasamos en grande ese día y aquí os dejamos una última foto que conmemora nuestro trabajo.

Taller de alfarería para adultos - 11/08/16

         Después de dos semanas de intensos cursos, aquí traemos las actualizaciones de cómo han ido, empezando por el final, el taller para adultos del pasado jueves.

 

     Tras una introducción teórica en la que tratamos los inicios de la alfarería, realizamos una exposición de piezas del museo para mostrar las características tanto de la cerámica a mano como a torno, así como la decoración, y los elementos más importantes de la cerámica para la Arqueología: marcas de uso, decoración, asas, bordes... 

         En la última parte del taller, dedicamos una hora y media a practicar con arcilla las técnicas de modelado a mano que habíamos repasado en la parte teórica, así como todos los métodos de decoración más comunes, y nos encontramos con que nuestros "alumnos" eran unos verdaderos artistas que superaron a los "maestros".

        Durante la práctica nos dedicamos a recrear tanto recipientes, como es el caso de vasos, cestas, platos, cuencos..., como pesos de telar, e ídolos placa entre otros objetos de uso ritual, todo ello decorado de manera muy creativa y exquisita.

   Esperamos haber enseñado mucho sobre cerámica prehistórica y protohistórica (amén de la cerámica a torno posterior), así como su importancia en el mundo de la Arqueología, ¡y esperamos también volver a verles en los próximos cursos que hagamos en Carmona!